Nuestro compañero Germán Bel a.k.a. Fasim es uno de los pioneros de la escena nacional de graffiti. Durante las últimas décadas, su trabajo en la calle ha evolucionado hacia nuevos conceptos y su obra de estudio se ha expandido. Conscientes de ello, en la relevante web de Street Art NYC le han hecho una magnífica entrevista que aquí traducimos.
¿Dónde y cuándo empezaste a dejarte ver, a propagar tu nombre?
Fue hacia 1984-85 en el barrio barcelonés de La Trinidad. Tenía entre 12 y 13 años. Comencé con lacas de color para el cabello, ceras de colores, pinceles y cualquier aerosol de pintura que encontráramos en las obras de construcción de los trabajadores. Las latas de pintura en aerosol eran muy caras en ese entonces. Era difícil comprarlos, ¡aunque pronto aprendimos a “levantarlos” sin problemas!
¿Quién o qué te inspiró primero a pintar en la calle?
En los años 80, teníamos muy poca información sobre el movimiento del graffiti y tuvimos la suerte de que el documental Style Wars se transmitiera por televisión. Fue muy instructivo; aprendimos mucho en una noche con solo verlo. El escritor cuyo estilo más me inspiró fue Ricardo Mirando alias Visto. ¡Sin duda era el rey del graffiti!
¿Tienes alguna superficie favorita?
Cada una tiene su encanto. Pintar en paredes grandes es muy gratificante, pero también muy agotador. Prefiero pintar en lugares abiertos como parques públicos. Me gusta la forma en que el arte en la esfera pública interactúa con los ciudadanos y con el entorno urbano.
Mi superficie favorita actual es el lienzo; Me encanta su tacto y su olor cuando se corta. ¡Puede resistir cualquier ataque! También me gusta el papel. Es la superficie que uso con más frecuencia. Es ligero y me permite generar muchas obras en poco tiempo.
¿Cómo era esa época en España?
Cuando empezamos a mediados de los 80 en Barcelona, había muy pocas etiquetas en la calle. Pero hubo otro tipo de escritos, en su mayoría alusivos a la guerra civil, la dictadura de Franco, las injusticias sociales, la amenaza nuclear, el grupo armado ETA y variada propaganda de partidos políticos. Se le conocía como “pintadas” o “las pintadas”.
Unos años más tarde, los murales comenzaron a emerger de la escena punk, muchos relacionados con los cómics underground y la psicodelia. Las principales influencias europeas incluyeron a Miss Tic, Blek le Rat y Jef Aerosol.
¿Puedes contarnos algo sobre los pioneros del panorama del arte urbano barcelonés?
Los pioneros del arte urbano en Barcelona se llamaban “Los Rinos”. Pintaban huevos fritos gigantes, envases de yogur, paellas, patatas fritas, pollos asados, espirales chorreantes, todo sobre las vías del tren. Nos pareció muy divertido y pasamos horas sentados en las vías, fumando y riendo, mientras los veíamos.
Entre los muchos equipos de Barcelona se encontraban los Kukufruts, un grupo de chicas y punk. Hoy uno de ellos, Pi Piquer, es un pintora célebre. Los Trepax fueron pioneros en las plantillas y realizaron fascinantes plantillas de dos y tres metros. Son maravillosamente impresionantes y, desafortunadamente, todavía no están documentados.
¿Prefieres pintar en la calle “con permiso” o prefieres hacerlo ilegalmente?
Vengo de una generación en la que pintar con permiso estaba mal visto. En 2010 pinté una pared en un espacio público de Valencia dedicada a las víctimas de la guerra. Me había cansado de ver las horribles muertes y las terribles atrocidades en la televisión durante años. Cuando llegué con mi escalera y pintura y comencé a trabajar, un coche de la policía me detuvo. Pero con la ayuda de algunos vecinos que me defendieron, pude continuar. Cuando terminé el muro, unas semanas después, preparé una serie de informes que se publicaron en muchas ciudades diferentes de todo el mundo.
Estaba orgulloso de lo que había logrado. Había pintado una pared con un tema de crítica política y social en el centro de Valencia, sin presupuesto y sin ningún permiso y con cierto riesgo personal. Y pude promoverlo en todo el mundo. Hoy el muro es un clásico, sin el apoyo de ninguna institución.
¿Cómo se sintió su familia con respecto a lo que estás haciendo?
Bueno, vengo de una familia que se había desintegrado. ¡Mi vida ha sido algo así como la de Huckleberry Finn! Terminé viviendo con mis abuelos maternos, que vivían en un suburbio infestado de adictos a la heroína. Sus principales habitantes fueron inmigrantes andaluces, con enormes problemas sociales.
Aunque a mis abuelos les gustaba ver lo que pintaba, no lo percibían como algo positivo. Ellos veían con buenos ojos a trabajadores como jornaleros, recepcionistas, mecánicos… ¡Pero ser poeta o pintor en un ambiente así era casi una vergüenza y una posible sentencia de muerte! Creían que no se ganaba dinero con la pintura, que era algo para trovadores, bohemios o inadaptados.
Llegaron a aceptarlo con resignación. Hoy es diferente. Mucha gente viene a ver mi trabajo en exposiciones o en la calle. Y estoy seguro de que mis abuelos, en algún lugar del cosmos, estarían muy contentos con mis logros.
¿Qué porcentaje de tu tiempo lo dedicas al arte?
Desde que me levanto hasta que me acuesto. No es mi trabajo; es mi vida.
¿Cuáles son algunos de tus otros intereses?
La literatura es otra gran pasión. Soy miembro de INDAGUE (Asociación Española de Investigadores y Diseminadores de Graffiti y Arte Urbano) y participé en una conferencia con Fernando Figueroa. Más recientemente, he estado preparando algunos recortes literarios pictóricos muy divertidos, fusionando elementos de novelas policiales, poesía e historias surrealistas. Se trata de la jungla, hombres serpientes, tigres parlantes. Es mi primera incursión en la literatura y me gusta su estilo subversivo y fantástico. También me encanta cocinar. Amo cocinar cuando tengo tiempo. Me relaja y puedo desconectar de todo. Me encanta preparar platos nuevos.
En Nueva York, a menudo existe una división entre los escritores de graffiti y los artistas callejeros. ¿Tienes alguna opinión sobre eso?
Soy un artista que ha llegado a pintar a través del etiquetado. El graffiti me ayudó a liberarme de la angustiosa situación de vivir en un barrio muy difícil. Era la válvula de escape. Las calles pueden enseñar una disciplina creativa similar a un vandalismo que puede llevarte hacia las bellas artes. El etiquetado es un primer contacto con la creatividad artística.
Unos años después de empezar a salir a la calle, comencé a pintar. Un punto de inflexión fue mi visita al estudio de JonOne en París en el legendario Hôpital éphémère. Jon tenía pinturas originales de artistas de todo el mundo, incluidos muchos de Nueva York, como Rammellzee, A-One, Lady Pink, Crash, Futura2000… Me mostró libros de Basquiat y Miquel Barceló. Caminar por su casa era como visitar un museo. Llegué a comprender la relación entre etiquetado, graffiti, arte callejero, arte urbano y bellas artes.
Hoy en día cualquiera puede comprar pintura en aerosol, pintar un montón de corazones en un callejón, tomar una foto, subirla a las redes sociales y decir que es un artista callejero. Lo hace sin ninguna amenaza de arresto, solo para ser genial, para estar a la moda. Pero lo que está haciendo es banalizar todo el movimiento. No es un “artista callejero”. Es solo una herramienta del capitalismo.
¿Cuáles son tus influencias culturales?
Estoy muy interesado en diferentes culturas y tengo muchas influencias culturales. El arte es lo que sobrevive como testimonio de tiranos caídos, reyes, imperios, dictaduras, dogmas y religiones. Lo que queda es el trabajo de artistas, de visionarios y poetas, de artesanos que dieron forma a las ideas de su tiempo. Estudio arte todos los días, e incluso cuando estudio historia o arqueología, siempre me encuentro con el arte. Entre mis muchos intereses se encuentra Deir-el Medina, el pueblo real de artesanos de los faraones en el antiguo Egipto. Estos humildes artesanos que vivían en casas de adobe elaboraron muchas de las increíbles obras que llenan los museos de hoy.
Hoy estoy más influenciado e inspirado por mi cultura, la cultura milenaria del Mediterráneo, que por todas las demás influencias occidentales modernas o contemporáneas. Es la fuente de todos los elementos que componen la civilización: arquitectura, música, pintura y escultura, poesía, filosofía, astronomía y más.
¿Tienes una educación artística formal?
Soy lo que otros etiquetan como “autodidacta”, ya que estudio por mi cuenta todos los días, lejos de las influencias del arte establecido. Durante varios meses a principios de los 90 estudié pintura en la Academia Cucurulla de Barcelona, donde copiamos modelos naturales y realizamos aburridas esculturas de yeso. Mi recuerdo más distintivo es el de una modelo muy joven y delgada, una adicta a la heroína cuyo cuerpo estaba lleno de moretones. Se quedaba dormida entre poses y luego se despertaba y se disculpaba.
Pero no me quedé en la escuela. Preferí visitar galerías y museos. Mi galería favorita fue la Galería Joan Gaspar. Casi siempre estaba vacío, y allí encontré obras originales y seriadas de gran calidad de la mano de: Picasso, Braque, Miró, Masson, Clavé, Tàpies, Calder, Viladecans, Mitoraj…. Para mí fue tan emocionante como entrar en la Cueva de Altamira o Lascaux. Enfrentar silenciosamente las obras de grandes creadores modernos y contemporáneos reconocidos internacionalmente fue mi primera y mi mejor escuela. Para un pintor joven, no hay mejor escuela que presenciar y afrontar estas obras de cerca en museos y galerías. También leí mucho en ese momento. Fueron años muy intensos.
¿Trabajas con un boceto en la mano o simplemente lo dejas fluir?
Depende de lo que quiera hacer. En general, siempre estoy bien organizado. Cuando pinto un mural a gran escala, vengo preparado con un boceto cuadriculado y toda la pintura que he elegido cuidadosamente con una tabla de colores. Cuando voy a hacer piezas ilegales en las paredes, vengo preparado para ejecutarlas rápidamente. Cuando era más joven, casi siempre improvisaba, pero con la edad me he vuelto más disciplinado. Sin embargo, dondequiera que trabajo, también dejo que suceda lo inesperado, ya que es parte del proceso creativo, incluso cuando pensamos que hemos perdido el control.
¿Estás generalmente satisfecho con tu obra terminada?
Con las obras que muestro, estoy medio satisfecho o bastante satisfecho. Como regla general, no muestro en las redes sociales ni expongo algo que no me gusta. Soy bastante crítico con mi pintura y puedo repetir el proceso de pintura en el mismo lienzo muchas veces hasta que adquiere un significado inesperado. La vida es un misterio, y la pintura nos refleja ese misterio, así como el agua refleja la imagen de Narciso. Mientras pinto, a menudo me gusta mucho una pieza, enamorándome de ella o manteniendo un romance profundo y efímero con ella durante el proceso.
¿Cómo te ha afectado la pandemia de Covid y cómo ha afectado tu trabajo como artista?
Como saben, ha sido una experiencia muy fuerte y transformadora a nivel planetario. Todas nuestras vidas han cambiado radicalmente y juntos ahora estamos experimentando un estrés postraumático, diferente a todo lo que hemos conocido. Me he tenido que adaptar a muchos cambios, algunos muy profundos, rápidamente. Dejé de pintar con aerosol en las calles en marzo de 2020 al comienzo de la pandemia. Ahora estoy más preocupado por el daño que los aerosoles pueden causar al medio ambiente. Podría prescindir de los aerosoles, pero no podría prescindir de pintar o dibujar. Me horroriza la idea de un mundo destruido por el egoísmo, así que he decidido detenerme y esperar un poco.
También he percibido cambios en la dirección de mi trabajo. Ahora estoy trabajando en temas que hace unos años no hubiera imaginado. Mi serie actual de pinturas se titula provisionalmente “Paisajes borrados”. Tiene muchos significados. Es una metáfora que expresa la indignación de la naturaleza hacia nosotros por desconocer nuestro entorno, pero también una referencia a la manía u obsesión por borrar todos los signos gráficos urbanos en las grandes ciudades, dejando a su paso un rastro de extraños paisajes borrados. También es un guiño a la idea de que un lienzo o un cuadro es una ventana a otra realidad, la ventana dentro de la ventana.
Entrevista realizada y editada por Lois Stavsky
Créditos de las fotografías: Fasim, Jordi Arques y Lois Stavsky